Todo comienza a finales de noviembre, y hasta febrero no dan descanso. Son aquellas publicaciones, institutos de investigación y gurús iluminados que no saben acabar el año sin decirnos lo que va a pasar al siguiente. El problema viene cuando eltrendsetter de a pie (es decir, el que no cobra por ello) hace repaso del año que se va y se da cuenta de que las predicciones están lejos, muy lejos, de ser realidad. Así que, desde este humilde espacio, prefiero dedicar mis esfuerzos en dejar claro qué es lo que NO va a pasar en 2012. Y si me equivoco, en diciembre de 2012 organizo un evento en Foursquare para que me lancéis piedras e improperios (check in mediante) en una plaza pública.

1.- Tu móvil va a seguir siendo eso, tu móvil.Foursquare, cupones online, códigos QR, Twitter… sí, todo está en tu móvil, pero probablemente solo en el tuyo y en el de cuatro marginales que se creen el centro del mundo. Después tenemos la cruda realidad. Puedes aprovechar las numerosas cenas de Navidad para hacer la encuesta entre tus familiares y compañeros de trabajo. Se te caerá el mundo a los pies (o te entrará un extraño orgullo underground mientras repites como un mantra “Forever Alone”). Si hacemos caso de Trendwatchingo Contagious, parece que los smartphones son la solución a todos tus males, pero siento decirte que no estamos (todavía) en Minority Report.

2.- Facebook seguirá vivito y coleando. Google + es como ese it boy que sale 3 veces en Tillate y 2 fines de semana más tarde no se acuerda de su nombre ni el anterior it boy que lo presentó en sociedad. Twitter es limitado y, por mucho que se abra a las marcas, tiene un cometido totalmente diferente. Facebook es el rey, o el dictador, que engloba todo, fagocita a quien se atreva a toserle y, además, tiene una legión de súbditos que le reímos las gracias sin pensar. Intentar vencer a Mark Zuckeberg sin ingenio es una batalla perdida. Por muy Google que seas.

3.- Viva el consumo responsable: Claro que sí, viva el smartshopper, pero mientras las cadenas de ropa en serie hacen sus mejores cifras de la historia, los cupones vuelan de mail en mail dejando al pequeño comerciante tiritando y los supermercados tiran a la basura toneladas de comida, los grandes iluminados de nuestro tiempo pintan un tipo de consumidor súper concienciado, que no gasta más de lo necesario, que se mueve por la justicia, transparencia y ética de las empresas y que se ha despojado de todo bien material irrelevante.

4.- Go green: Todos somos ecologistas y amantes de lo “orgánico” hasta que nos cobran un 20% más por un libro impreso en papel reciclado o unos huevos free range.

5.- Internet para todos: Tu bandeja de mail sigue colapsada por variopintas presentaciones de power point y cadenas interminables de maldiciones nigerianas que te envía tu madre, que para más inri sigue esperando en el purgatorio de tus solicitudes de amistad de Facebook. Pero cuando le comentas que debería abrirse una cuenta en PayPal u organizar su día a día en Google Calendar, te dice que sí como a los locos y una parte de ella muere por dentro al descubrir que su hijo habla en un idioma que ella no entiende.

El mundo de las aplicaciones móviles se ha descubierto como una industria tremendamente estacional y en constante actividad, y cada temporada aparecen nuevas propuestas centradas exclusivamente en el momento presente. ¿Y cuándo mejor que en Navidad, –fechas señaladas por antonomasia– para lanzar utilidades y apps de ocio para aliviar el tedio en el hogar familiar?

Este año, entre compromisos familiares, cenas de trabajo, gastos incontrolados y empachos, tenemos la posibilidad de descargarnos apps que nos hagan la vida más fácil o, por lo menos, más llevadera. Aquí van algunas sugerencias:

Delaviuda: La clásica marca de dulces navideños ha presentado una app en Facebook para estas navidades desde la que invitan a sus fans a crear su propio turrón. Con posibilidad de elegir una gran variedad de ingredientes (reales e imaginarios), el resultado pasará a formar parte de un concurso por votación popular. Y ojo, que el premio es suculento: un iPad 2 o uno de los veinte surtidos que la marca ha elaborado con sus productos.

500 Christmas facts: Te has quedado sin conversación en la cena de empresa, estás harto de hablar del frío que hace y no te apetece soltarte bebiendo de más con gente medio desconocida con la que compartes espacio todos los días. Pues coges, agarras, te lees unas cuantas curiosidades sobre la Navidad y las sueltas para sorpresa de los comensales. Eso sí, solo si tu teléfono tiene Android.

Anís del Mono: No sé si todavía existen familias que canten villancicos en conjunto (me gusta imaginarme a esta gente con jerseys de grecas invernales y voces angelicales perfectamente colocados frente a una chimenea), pero Anís del Mono está decidido a recuperar esta tradición viejuna con su app para Android y iPhone. Ya no es necesario tener la famosa botella y un palo para rascar, ya que eso precisamente es lo que ofrece la aplicación. Incluso se puede escoger qué botella rascar (anís dulce o anís seco), seleccionar un villancico de acompañamiento y compartir en redes sociales tus creaciones navideñas. ¡Un vicio!

Canal Cocina : se te ha ido el santo al cielo y no caíste en que el marisco hay que comprarlo con antelación. El pavo tiene unos precios cercanos a las drogas más duras. No tienes tiempo entre compras y trabajo y tu nevera parece el escenario de un western rodado en Almería. No te preocupes: Canal Cocina, con su app para iPhone, te ofrece un sinfín de vídeo recetas filtradas por tiempo de preparación, dificultad y los ingredientes que tú elijas (o los que tengas en tu nevera muertos de risa). Además, acaban de estrenar la versión para iPad, tras el enorme éxito que ha tenido en iPhone e iPod Touch.

IMC : Te has sobrado con las peladillas, el roscón, los mazapanes y los suculentos platos que mamá ha preparado con todo su amor. Y eso, lo sabes, se convierte en grasa y kilos extra. Para saber un poco más sobre tus excesos navideños, nada mejor que calcular tu índice de masa corporal (IMC). Una vez veas el resultado, tendrás tres opciones: tirarte por la ventana, apuntarte al gimnasio o congratularte del metabolismo que tus padres te han dado en herencia.

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Twitter es, de lejos, la red social más centrada en la información de todas las establecidas. Este año en España hemos podido comprobar su poder durante las elecciones municipales de mayo y las generales de noviembre. Los políticos se lanzaban hambrientos a la búsqueda de seguidores a los que informar del día a día de la campaña, sus programas electorales o las carencias de sus enemigos. Pero también es una fuente de clicks para los medios de comunicación, sea cual sea su tamaño, orientación política o temática y una plataforma difícil pero efectiva para hacer promociones.

España no solo es el país con mayor porcentaje desmartphones de Europa, sino también el territorio europeo en el que más rápido crece Twitter. Muchos son los usuarios que, desde Madrid, están enganchados almicroblogging, que se presta más que ninguna otra red al uso desde el móvil. Además, desde abril de 2011 Madrid forma parte del selecto club de ciudades mundiales contrending topics locales. Hemos seleccionado algunos de los perfiles más a tener en cuenta, por diversas razones, para conocer la actualidad de la ciudad.

Carla Antonelli (@CarlaAntonelli) es una de las políticas más activas. Primera transexual en ocupar un escaño en una cámara en España (en la Asamblea de Madrid), su actividad tuitera es frenética, centrándose en los derechos LGTB y en las sesiones parlamentarias de la Comunidad de Madrid. Antológicos son sus tuits sobre las ausencias de Esperanza Aguirre o las maratonianas jornadas de trabajo, de las que no se queja en absoluto. Y una veterana de la política madrileña, antes en IU y ahora desde Equo, Inés Sabanés (@isabanes), nos cuenta cada mañana su trayecto diario en Cercanías, así como las manifestaciones a las que acude y los proyectos en los que está involucrada.

Esperanza Aguirre, de hecho, también tiene cuenta personal en la que opina, con mayor o menor fortuna, sobre la actualidad política española. Sin embargo, lo más interesante a nivel político en Twitter son las parodias de diversos políticos, que pueden llegar a informar más de las intenciones reales de los gobernantes que las cuentas oficiales. Rubaljoy (@conRubaljoy) oNanianoRajoy (@NanianoLibre) son dos ejemplos, pero la palma se la lleva Espeonza Aguirre(@EspeonzaAguirre), una hermana gemela de la Lideresa algo más loca y bastante peor personaque traduce las políticas neoliberales de Esperanza en mensajes contra todo y contra todos, siempre rodeados de carcajadas socarronas. Probablemente, haya sido la cuenta que más risas y alegrías ha dado durante la campaña, con tuits tan salvajes como “A partir de ahora, despido libre. Se avisará con 15 días. Mediante hostia con la mano abierta JAJAJ Así vais al paro calentitos JAJAJ Muero.” Más de 45.000 personas siguen las aventuras de este peculiar personaje de ficción.

 

Para conocer el día a día de lo que pasa en la ciudad más allá de las fuentes oficiales y masivas, algunos medios y organizaciones ofrecen información a pie de calle y orientada al ciudadano. Madrilonia (@madrilonia) es un medio digital nacido del cabreo ciudadano: lo que El Mundo es al PP, Madrilonia lo sería al 15M. ElPatio Maravillas (@PatioMaravillas) se ha convertido en pocos años en uno de los emblemas de Malasaña, ofreciendo desde la autogestión todo tipo de servicios sociales, culturales y de sostenibilidad. Y, para cerrar el círculo con un poco de arte, elMatadero Madrid (@mataderomadrid) es ahora mismo el referente de la ciudad en lo que a creación se refiere, y desde sus tuits tenemos acceso a toda su programación.

¿Se queda algo en el tintero? Por supuesto, la cantidad de información es prácticamente inbarcable. Pero no podíamos acabar sin recomendar la cuenta de Twitter más importante de Madrid: ¡la de Madriz!(@Revista_Madriz)

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Tras la exitosa gira que unió a Astrud y al Col.lectiu Brossa reescribiendo canciones del dúo en clave de música de cámara, el paso que faltaba era grabar una selección, pues Genís y Manolo salieron bastante contentos de los resultados del directo. Con nueva discográfica, Astrud se lanzan a grabar “Lo Nuevo” (Elefant, 2010), un título que entronca directamente con su peculiar sentido del humor. Sí, todo lo que oímos es nuevo, pero ya nos lo sabemos. ¿O no?

A diferencia de otras experiencias parecidas -me viene a la mente el “2″ (EMI, 2007) de Dover, “Papito” (WEA, 2007) de Miguel Bosé o el más cercano en el tiempo “De Par en Par” (Universal, 2010) de Marta Sánchez-, da la sensación de que Astrud sí ha hecho una reflexión a la hora de reinterpretar sus propias composiciones y adaptarla a un estilo concreto y novedoso. El Col·lectiu Brossa hace música de cámara con instrumentos conocidos y otros menos habituales y mezclando tradición con experimentación. Está formado por Aleix Puig (violín), Oleguer Aymamí (violoncello), Gregori Ferrer (acordeón), Adrià Grandia (zamfona) y Marc Casas (marimba y vibráfono).

De esta unión han nacido dos canciones nuevas, escritas por Manolo e inspiradas por dos de los miembros de Col·lectiu Brossa (Marc y Adriá), que son uno de los grandes atractivos del álbum: mientras “Lo popular (retrato de Adrià Grandia)”  tira de los aires medievales musicalmente para acompañar una letra de las de Manolo de toda la vida, con menciones a teorías filosóficas, My Chemical Romance, escritos religiosos, Super Mario Galaxy y El Corte Inglés y hace una reflexión sobre la novedad y la tradición, “La música de las supercuerdas (retrato de Marc Casas)” es una canción mucho más introspectiva y calmada de temática filosófica y física, con Genís usando el vocoder como solo él sabe.

El repaso es significativo, recoge temas de toda su discografía excepto de “Performance” (Sinnamon, 2004), que a priori parecían las canciones más adaptables (por ejemplo, “Masaje”) y que quizá por esta razón han quedado fuera. El disco que más presencia tiene es, sorprendentemente,“Tú no Existes” (Sinnamon, 2007), que aparte de ser el más reciente es probablemente el menos reconocido por crítica y público.

Las recreaciones más bonitas son las de las canciones más movidas de Astrud, principalmente las de “Gran Fuerza” (Chewaka, 2002) (“Europa”, “La boda” y “La última”, todas remozadas completamente), pero también“El vertedero de Sao Paulo” o “Esto debería acabarse aquí”, más que nada por el cambio que supone respecto a las originales. Por su parte, las tonadas que, por su propia forma, prácticamente no necesitan adaptación a este nuevo formato salen enriquecidas en casi todas las ocasiones por el nuevo vestuario, como es el caso de“Mentalismo”, “Cambio de idea” o, especialmente, “Minusvalía”, que queda aún más desnuda y dramática. Mención aparte merece una canción que por mucho que pasen los años y sea cual sea su forma sigue siendo uno de los picos más altos de Astrud en cuanto a genialidad: “Miedo a la muerte estilo imperio”.

En general, el disco es bastante lineal, y a pesar de que Genís ha hecho arreglos, la música corre a cargo casi en su totalidad del Col·lectiu Brossa, lo que convierte a “Lo Nuevo” en otro giro estilístico de Astrud que probablemente no tenga continuidad, pero que nos devuelve a una de las bandas que más de menos se ha echado en los últimos tiempos. Un proyecto arriesgado y arty que suma un punto extra a la carrera de Genís Segarra y Manolo Martínez.

Todo nos parece una mierda (Sinnamon, 2004)

“Todo nos Parece una Mierda” (Sinnamon, 2004) funciona por sí solo como un trabajo de Astrud, a pesar de servir de presentación para el posterior LP, “Performance” (Sinnamon, 2005). Además de la canción que da título al EP, nos encontramos con dos de las joyas más grandes de la banda, “Nuestros poetas”, donde dan un repaso sin piedad a los lugares comunes de la literatura ibérica, y “Hay un hombre en España”, canción con un peculiar sentido del humor no apto para todos en la que lo mismo nombran a una infanta que al Colacao.

Recuperan “No tengo miedo”, de “Un Mystique Determinado” (Austrohúngaro, 2004), y “Es que sí”, esa gran canción en catalán que fue candidata a representar a Andorra en Eurovisión. Además, incluyen una broma llamada “Café con cebolla”, que el propio grupo reconoció haber grabado bajo los efectos del alcohol.

Un giro en la carrera de Astrud, que da protagonismo a las guitarras y a los instrumentos reales sin perder de vista el punto electrónico de sus dos primeros discos, y que alcanzaría su perfección en “Performance”.

Mentalismo (Chewaka, 2001)

Antes de publicar su segundo disco, Astrud presentaron en este single dos temas nuevos: “Mentalismo” tiene aquí un tratamiento más pop y menos oscuro que la posterior versión de “Gran Fuerza” (Chewaka, 2002), con más teclado y menos percusión religiosa. La segunda, un hit escondido, es la gran “El teclista telequinético”, que por entonces interpretaban en directo de una forma muy particular: Genís tomaba el micrófono y movía los labios, haciendo playback instantáneo de la voz en directo de Manolo.

Cambio de idea EP – Extensión de gama (Chewaka, 2000)

El segundo EP de Astrud es, claramente, un trabajo conceptual, pero como todo en el dúo de Barcelona, muy sui generis. Todas y cada una de las canciones hablan de un cambio que se deja claro en su título: la titular “Cambio de idea”, que ya conocíamos de “Mi Fracaso Personal” (Chewaka, 1999), “Cambio de forma”, una delicada pieza que se convierte en lo mejor del EP, “Cambio de tiempo”, una locura sobre los viajes temporales y “Cambio de sentido”, otro de los ejercicios de vanguardia de Astrud, pues consiste en “Cambio de idea” reproducida al revés. Un gusto de EP.

Shangay EP (Shangay Express, 1999)

La revista Shangay publicó esta rareza en 1999, donde recopilaba una canción de Astrud (su magnífica versión del “Bailando” de Paradisio), otra de Fangoria (su hit “Electricistas”) y una colaboración entre ambos, la remezcla de “De viaje” de Los Planetas, en su versión ruta del bakalao.

Un artefacto para coleccionistas que ya está alcanzando precios desorbitados en las web de subastas.

De viaje (Club Fan Fatal, 1998)

La conexión entre Astrud y Fangoria fue inmediata, y la admiración mutua era lógica dadas las circunstancias de cada grupo (dúo, electrónica, vanguardia). No fue de extrañar entonces que Carlos y Alaska llamaran a Manolo y Genís para uno de sus singles del Club Fan Fatal, esa colección de versiones al alimón que anualmente grababan Fangoria.

Esta vez, la elegida fue una canción conocida por todos, la clásica ”De viaje” de Los Planetas. Ambos grupos se han declarado fans de los granadinos, y a pesar de las diferencias estilísticas la canción se adaptó como un guante a los universos de Astrud y Fangoria. Las voces de Manolo y Alaska se empastan a la perfección, y construyen una nueva canción con ruidos de coches estrellándose y eletrónica sucia y misteriosa.

El single se completa con una remezcla más bailable.

Astrud EP (Acuarela, 1997)

El primer EP de Astrud fue todo un éxito para su pequeña discográfica. “Astrud” (Acuarela, 1997) agotó su tirada en muy poco tiempo y puso en el mapa a esos dos músicos extravagantes de Barcelona. Con cuatro canciones se ganaron el respeto y la admiración de muchos.

En la popera y ñoña-chic “Superman” Manolo ya da muestras de que sus letras son cosa de otro mundo, con sus declaraciones de amor desubicadas. Las máquinas primigenias de Genís dan el punto bailongo que necesita. Lo mismo ocurre en “No estaría mal no tener que saber qué es lo que va a pasar”, que en esta primera versión -la regrabarían para “Mi Fracaso Personal” (Chewaka, 1999)- se ve protagonizada por los ritmos brasileños y los ruidos tropicales, diez años antes que nadie. La acústica “Normal” es un curso de autoayuda para hipocondríacos, y la espacial “Last time” es una oportunidad entre pocas de oír a Manolo cantar en inglés.

El EP conoce una edición en Japón y EEUU que se convierte asimismo en una pieza bastante cotizada, pues incluye tres temas inéditos: la versión del “Something changed” de Pulp, convertida en “Algo cambió”, la versión TV de “Vamos al amor”, y “Lemongirl”, un temazo pop en inglés en el que Manolo, con su fino sarcasmo, se ríe de su pobreza compositiva en comparación a la de Evan Dando, de The Lemonheads.

Sin duda, “La Revolución Sexual” (Elefant, 2007) fue la confirmación en todos los aspectos de La Casa Azul: éxito comercial, éxito de crítica y reconocimiento, por fin, de una de las mentes más privilegiadas para la melodía y la producción en la España del siglo XXI, premio Goya a la mejor canción original incluido. Aquel disco, toda una declaración de felicidad, de dejar de lado lo malo y abandonarse al disfrute de cualquier clase, encuentra cuatro años más tarde su reverso. Y es que Guille Milkyway ha tardado unos años en dar una respuesta a un momento dulce, y lo ha hecho con “La Polinesia Meridional” (Elefant, 2011), presentado en un envoltorio parecido en la superficie, pero totalmente opuesto en su concepto. Realmente podemos hablar de un disco melancólico, triste y angustioso a ritmo de disco, bubblegum, northern soul y pop.

Probablemente el mejor ejemplo de esta combinación de música festiva con temática oscura sea la fantástica“Colisión inminente (red lights, red lights)”, un tema con orquestación épica y de melodía adictiva que narra la fina línea que separa un estado emocional feliz y eufórico de otro negro y depresivo. La nostalgia es quizá el sentimiento que más aparece, el leve recuerdo de una juventud lejana y perdida. El pasado olvidado, el presente negro y el miedo al futuro impregnan casi todos los temas de un modo u otro, combinando las ganas irremediables de lanzarse a bailar con el golpe de realidad y mal rollo que transmiten las letras. Aunque se vislumbren destellos de optimismo, acaban por tornarse agrios y prácticamente invisibles en el conjunto del disco.

Así, la rabia de no poder volver a ser joven se refleja en “¿Qué se siente al sertan joven?” o “Los chicos saltarán a la pista”, mientras que el miedo al futuro y a la muerte quedan expuestos en la muy costumbrista “La vida tranquila”, que acaba por convertirse en una de las canciones más tediosas del álbum. Incluso Guille Milkyway se acerca a la política y a la crítica social, mostrando un mundo que se derrumba ante nuestros ojos sin posibilidad de intervención en “Europa Superstar” o “Sálvese quién pueda”. Canta también contra la tontería y la superficialidad en “La fiesta universal”, quitándose el yugo de la modernidad y la vanguardia, haciendo una pequeña oda al amor y a la tranquilidad. Sí, este tema podría ser uno de esos destellos de buen rollo del disco, ya que, aunque desde elrechazo, habla de liberación personal.

Es habitual que La Casa Azul repita recursos y tics de un disco a otro, y la pasión por citar a sus ídolos musicales ha recorrido la carrera del proyecto de Milkyway, desde “El secreto de Jeff Lyne” a “Esta noche cantan para mí”. En “La Polinesia Meridional” el name dropping invade “Terry, Peter y yo”, y donde estaban Astrud Gilberto o Dusty Springfield, aquí encontramos a Doris Day y a Liza Minelli. También retoma el easy listening con éxito en el tema que da nombre al disco. La producción de spectoriana tiene, como siempre, su hueco en“Sucumbir” (época Ramones) y en “La niña más hermosa” (época The Ronettes).

A pesar de este giro en las letras, La Casa Azul nunca ha sido un proyecto caracterizado por la reinvención constante, con lo que las sorpresas a nivel de sonido son escasas, por no decir nulas, y es quizá lo que más se echa de menos, que la sorpresa se quede en el regusto amargo que dejan los temas tratados. Sí que hay algo más de ruido y de épica, y alguna canción con estructura enrevesada, pero son chispazos que no llegan a novedad. Las referencias siguen siendo las mismas, y es que Guille Milkyway las tiene tan claras (el disco, Phil Spector, la ELO, el lounge…) que parece no necesitar nuevas. Ahora solo falta que sus fans opinen igual.

La Nueva Yma Sumac (Elefant, 2009)

Aprovechando el éxito y la popularidad que consiguió La Casa Azul con Eurovisión, su álbum “La Revolución Sexual” (Elefant, 2007) y el festival Indietracks británico, Elefant decide editar un recopilatorio dirigido a un público internacional.

Recopilando solo material de su etapa más reciente, “La Nueva Yma Sumac” incluye versiones en directo de algunas de sus canciones más aplaudidas, la canción que da título al disco y su remezcla en japonés, versiones de “La revolución sexual” en inglés, alemán (cantada por Françoise Cactus de Stereototal) y coreano y algunoscovers interesantes, como el “Señora” de Serrat o clásicos como “I want you back” o “Love is in the air“. También aporta temas nuevos, como el acelerado “Surf up ‘n’ down“. A pesar de resultar una colección bastante entretenida y disfrutable, uno no puede evitar pensar que es un recopilatorio algo innecesario para su público de toda la vida, que aporta como curiosidad las canciones cantadas en otros idiomas, dejando bien claro que las melodías de La Casa Azul funciona de cualquier forma, pero que bien podrían haber sido caras B de singles. Así, solo satisfará las necesidades coleccionistas de algunos, pero no será recordado como lo mejor de La Casa Azul.

A pesar de que Carlos está centrado en su proyecto paralelo Löpez, Corazón aparecen durante el año de manera intermitente en directo, acompañando a Single o en formatos especiales como el ciclo de recitales del Museo Cerralbo, lugar fabuloso en donde está tomada la instantánea que ilustra la portada.

A finales de octubre de 2011 se lanza, en formato digital, “Me Quiero Casar Contigo”(Elefant, 2011), un singlede tres canciones. Producido, como “Nuevo Futuro” (Elefant,2009), por Ibon Errazkin, contiene una versión de Roberto Carlos (que da título al EP), una canción nueva y otra que ya formó parte del recopilatorio “Your Wonderful Parade” (Annika, 2010).

Empezando con la versión de Roberto Carlos, “Me quiero casar contigo”, Corazón la hacen suya dándole ese toque español y setentero, rozando el kitsch, al que tan habituados estamos ahora. El comienzo, sin ir más lejos, podría pertenecer a una de esas sintonías de televisión tan chulas que hacía Alfonso Santisteban. Con un tratamiento vocal que bebe de la canción melódica y del melodrama, los arreglos de otro mundo del productor vasco son el cierre perfecto al envoltorio del dúo. Los coros corren a cargo de Las Corazonadas, y los arreglos de piano son de otro genio, Antonio Galvañ (Parade).

Por su parte, “Un final feliz para este cuento”, una disculpa cantada, juega con paisajes de cuento de hadas y aromas folkies que la conviertenen en una de las canciones más sensibles y tiernas de Corazón.

Cierra el trabajo la maravillosa “La fiebre de Carlos”, un regalo que Nando hizo a su compañero de grupo en 2002 para que pasara una enfermedad lo mejor posible. Ya conocida por sus fans desde hace un tiempo, en 2011 supone sin duda un regreso a las formas de “Melodrama” (Elefant, 2005), pero con el humor y la actitud desprejuiciada y atemporal, libérrima, de sus últimos tiempos, visibles no solo en la despreocupación de su segundo álbum, sino también en sus escasas (pero emocionantes) presentaciones en vivo.

Un single que sabe a poco, pasa en un suspiro y que nos devuelve la mejor versión de Corazón, esa que aúna canciones cargadas de sensibilidad con producciones imaginativas, las melodías más clásicas y románticas con la modernidad única y personal de Carlos y Nando.

El Festival PSM nació, como muchos saben, de una tragedia: la muerte el pasado mayo de Pedro San Martín, bajista de La Buena Vida, melómano y hombre apasionado según todos los que lo conocieron. Un homenaje con participantes de lujo, los amigos de PSM, que da la casualidad de que están entre lo mejorcito del indie, sobre todo de aquellas bandas contemporáneas a La Buena Vida.
Abrieron la noche Tortel, sin Joaquín Pascual, con su pop acústico y evocador, pidiendo al público que hicieran las veces de orquesta filarmónica para hacer la sección de cuerda de “Tormenta en la mañana de la vida”, la canción que más se versionó en la noche. De hecho, sonó en seguida otra vez, de la mano de Rafael Berrio, muy melancólico y con la única ayuda de su guitarra eléctrica.

Momentos para el recuerdo

Los allí presentes sabíamos que los momentos especiales no tardarían en llegar, y con Nosoträshocurrió el primero de ellos. Con una formación rara (sin Natalia, estaban Bea, Cova, Mar de Pauline en la Playa y Frank Rudow a la batería, del que dijeron que era alemán pero “más de Gijón que cualquiera de nosotras”), el recital empezó con “Arte”, probablemente la canción más celebrada de las asturianas, con la voz de Rosa, novia de Pedro San Martín y cabeza pensante del evento, que transmitió una emoción, un amor tan fuerte, que trajo las primeras lágrimas de la noche, tanto en el escenario como en la platea. Tras la gran ovación, tocaron un par de popemas y otro de los protagonistas de la noche, Nacho Vegas, salió a cantar “Tres Tristes Tigres”. Se lanzaron con “Un muelle” de Pauline en la Playa (qué grande sería que Nosoträsh y Pauline en la Playa hicieran un súper grupo) y cerraron con la correspondiente versión de La Buena Vida, “HH:MM:SS”, que sonó desnuda, minimalista.

Clovis comenzaron con otra versión, esta vez de Love, uno de los grupos de referencia de La Buena Vida, y continuaton con “Matinee”, una de las composiciones más bellas de los donostiarras, con una pizca de electrónica que vino muy bien para sacudirse las penas. Dieron paso a Antonio Luque, antes Sr. Chinarro, que acompañado del bajista de Maga interpretó tres canciones propias en formato acústico y una versión muy chinarra de “La calle del Carmen”. Antes de empezar, hizo un bonito discurso centrado en la idea de que prefería pensar que Pedro San Martín, aunque no le viera, estaba de aquí para allá, charlando, disfrutando de la música, como siempre hacía.

Grupo de Expertos Solynieve, como ya hicieran en el BAM, avanzaron temas de su nuevo disco, que continúa con esa mezcla de rock y tradición andaluza que tan bien les funciona. J reconoció que “Calles y avenidas” era una de sus canciones favoritas de La Buena Vida, y fue precisamente esta la que eligieron para cerrar su parte.

Pedro I El Grande vino, vio y triunfó

Con Ama llegó el segundo gran momento de la noche, muy solemne y triste, protagonizado por la única canción que el grupo vasco interpretó. Y es que Javi, integrante también de La Buena Vida, y Borja, ex-integrante, nos tenían preparada una sorpresa: una canción nueva, dedicada a Pedro, que probablemente supo sincretizar lo que sus allegados sienten todavía cuando piensan en él. La canción, titulada (creo) “Pedro I El Grande”, insiste en la idea del fantasma de Pedro para acabar tomando conciencia de que los fantasmas son los demás, los que se han quedado en vida sin él. Estremecedora e intensa, el público se entregó rápidamente. Recuerdo una frase que me gustó especialmente: “Pedro llegó, vio y triunfó”. La verdad es que la participación de Ama fue de esas de volver a poner los pies en la tierra, una aparición dramática y grave, en la que la celebración quedó de lado para recordarnos a todos que la melancolía es, aparte de inevitable, necesaria en algunos casos. No se fueron sin antes recordar a la otra víctima del accidente, Iñaki Vega, gran amigo también de Ama y La Buena Vida.

“Blues por Charlie”, uno de los temas más tristes de los donostiarras, fue la versión elegida por Fernando Alfaro y Joaquín Pascual, clásicos de nuestro indie que se reunían para tocar canciones de sus respectivos discos para acabar con el hit más célebre de Surfin’ Bichos, “Fuerte”, cantadísimo y bailadísimo por un público cada vez más animado.

Nacho Vegas comenzó su parte con la versión, acompañado de Bea de Nosoträsh. cantaron “Trigo Limpio”, preciosa. Protagonizaron, además, una de las anécdotas de la noche, pues cuando ella salía del escenario, se despidió de él con un pico, y tuvo que quitarle los restos de pintalabios de la boca.Nacho siguió entonces en formato íntimo, acústico, dando buena cuenta de lo maravilloso de su voz y sus canciones. Como guiño a la actualidad, tocó el tema que ha compuesto para Robo, “Como hacer crac”, y una versión de “Ocho y medio” con cambio de letra dedicado al homenajeado.

Lori Meyers, a pesar de contar con algunos problemas con los samplers, caminan sobre seguro, ya que son una de las bandas más exitosas de la escena, y su concierto fue una auténtica locura de coros, bailes y movimiento. De La Buena Vida cogieron “Segundas partes” y la hicieron totalmente suya.

Llegando hasta el final

Triángulo de Amor Bizarro covirtieron una de las canciones más emblemáticas de La Buena Vida,“Magnesia”, en una fiesta de ruido y reverb con un final apoteósico de cuatro minutos, repetitivo e intenso. Principio del fin de la fiesta, no se nos ocurre otro grupo mejor para subir la temperatura.

A continuación Los Planetas, sin Florent (sustituido por Antonio Arias), centraron su repertorio en temas de sus últimos discos, dejando un pequeño espacio para la sorpresa en el que fue, quizá, el tema más coreado de toda la noche, “Santos que yo te pinte”, un clásico ya del rock español que pilló desprevenido a más de uno. Cerraron con “Tormenta en la mañana de la vida”, que, a pesar de ser la tercera vez que sonaba, no perdió en emoción.

A pesar de que Los Planetas fueran probablemente el plato fuerte de la noche, no fueron los encargados de cerrar, sino que de sobremesa se nos presentaron Ellos, con un set muy movido y rockero. Guille Mostaza, visiblemente emocionado, lo dio todo y cerró con uno de los temas que, hasta el momento, más se había echado de menos: “Los Planetas”, que cantó a dos voces acompañado de una chica amiga de La Buena Vida.

Un adiós perfecto

Para cerrar los conciertos estaba anunciada una banda misteriosa bajo el nombre de St. Pepper’s Apolo Hearts Club Band . Los rumores, que no vamos a reproducir porque ya no tiene sentido, apuntaban en varias direcciones y llevaban tiempo circulando, y finalmente se trataba de los mismísimos La Buena Vida los que, como no podía ser de otra manera, se encargaron de despedir la velada. Con una formación también especial (con Iñaki…. productor de muchos de sus discos), hicieron un pequeño set que acabó por desatar las emociones más arrebatas, llegando a las lágrimas. Sonaron tres canciones de “Hallelujah“, uno de sus mejores discos: “Los vientos“, “Trigo limpio” y “Solo tienes lo que das”. Un broche lógico, pero no por ello menos gratificante.

Y, a modo de epílogo, prácticamente todos los participantes subieron al escenario con copas de champán para brindar por Pedro, pero también por el éxito de la iniciativa. Rosa, una vez más, tomó las riendas y propuso un brindis colectivo. La sala Apolo, a reventar, levantó su vaso al unísono, bebió, y arrancó a aplaudir algo mágico, irrepetible, que sin embargo parece que tendrá continuidad… pero ya no será la primera vez.

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El debut de La Fonoteca Barcelona no pudo ser mejor: a las diez de la noche la salaHeliogàbal presentaba un lleno absoluto. El proyecto, que lleva ya algún tiempo funcionando en Londres y en Madrid, aterrizó en Barcelona con un programa de lo más apetitoso, juntando a un grupo local, los cada vez más aclamados Doble Pletina, con una propuesta “foránea”, el madrileño  Betacam, uno de los integrantes del primer recopilatorio de La Fonoteca, “No te apures mamá, solo es música pop” (La Fonoteca Discos, 2011). No está de más recordar que el título del disco está sacado de “Primos lejanos”, canción de Betacam.

El madrileño salió algo intimidado por el público barcelonés, que según en qué momentos, es realmente diferente del madrileño. En formatos acústicos, como fue el set de Betacam, los madrileños acostumbran (acostumbramos) a no callar y claro, Javier Carrasco, alma del proyecto, debió pensar en un primer momento que aquel silencio apabullante era fruto de la desconfianza. Pero no, tras la primera canción, los aplausos le arrancaron un “qué público más respetuoso” y el concierto siguió para adelante, con una primera parte muy acústica (con guitarra y ukelele) y otra más centrada en los teclados. Desplegó parte de su repertorio y confirmó por qué es uno de los proyectos a seguir desde hace ya un tiempo gracias a su bonita voz, sus letras cuidadas y su minimalismo pop. Cayeron, entre otras, “Canción inacabada”, la citada “Primos lejanos” y “Macintosh”, no sin antes asegurar que no conocía “Eres PC eres Mac” de Hidrogenesse cuando la escribió. Gustó tanto que tuvo que salir a hacer un bis improvisado, tanto que hasta hizo encuesta entre el respetable para ver si preferíamos que tirara más hacia lo acústico o hacia el teclado.

Lo de Doble Pletina es otra cosa. El quinteto barcelonés ha conseguido en poquísimo tiempo estar en boca de todos en la ciudad, dar un número considerable de conciertos y hacerse un hueco en la escena independiente. Obviamente, no es casualidad. Su amabilidad, sus canciones redondas y aparentemente sencillas y su modestia han sido claves para estar en la situación en la que se encuentran. No solo han inaugurado los conciertos de La Fonoteca Barcelona, sino que también son la primera referencia del novísimo sello Discos de Kirlian.

Con un público bastante entregado, fueron desplegando algunos de sus temazos más bonitos, como “Artista revelación”, “Aftersun”, “Me detestas” o “Cruzo los dedos” (de momento, mi favorita de ellos), y demostraron que han cogido forma como grupo de directo. Marc lleva la batuta y va alternando la guitarra con la sierra (que tocó también en una de las canciones deBetacam) y Laura, aparte de buena voz, tiene mucha mano con el público. Además, avanzaron alguna canción nueva, como es lógico y normal en un grupo con tan poco de vida. Hacia el final tocaron su mayor hit hasta el momento, “Música para cerrar las discotecas”, que fue coreada en uno de los pocos arrebatos del público, algo tímido para cantar con el grupo.

Doble Pletina recuerdan a aquellos grupos perdidos del Donosti Sound y del (mal llamado) tontipop, pero con el bagaje de los años, con la perspectiva que da el tiempo y el conocimiento. Voces chico y chica, instrumentación sencilla, temas cotidianos… Por momentos, sobre todo en la “canción Beach Boys” (ellos mismos se refirieron a ella por este nombre), fueron capaces de sonar al grupo de Brian Wilson y, por ejemplo, a La Pequeña Suiza a la vez, sin que nada chirriara y sin parecer una copia de nada, sino utilizando sus influencias para crear algo nuevo y personal. Realmente fue un lujazo asistir al show de un grupo en efervescencia y con tanto encanto. Nunca había podido verlos en directo, e iba al concierto con cautela, pero nada más empezar ya supe que me gustarían tanto o más que cuando los escucho en casa.

Así, y esperando a próximas fechas, comenzó su andadura La Fonoteca Barcelona con un evento para el recuerdo, confirmando que los proyectos a veces se hacen realidad y que, si uno le pone ganas y pasión, acaba por salir bien.

Fotos: Blanca Viñas

Tras el necesario recopilatorio “Intonarumore” (Jabalina, 2009) y el maduro disco conceptual “La Fortaleza de la Soledad” (Jabalina, 2010), Parade sorprende al entregar un nuevo trabajo dejando tan poco tiempo para asimilar sus últimas ocurrencias. Antonio Galvañ nos tenía acostumbrados a esperar con ansia sus nuevos trabajos, pero “Materia Oscura” (Jabalina, 2011) llegó por sorpresa, como un regalo fuera de tiempo. Y ese regalo habrá que agradecerlo siempre, pues el murciano ha parido su colección de canciones más redonda desde“Inteligencia Artificial” (Spicnic, 2003).

Anunciado en su momento como el disco oscuro de Parade, la realidad es que el optimismo es parte del ADN del proyecto, así que por muy siniestro y misterioso que se quiera poner,Galvañ acaba por convertir unos temas en principio tétricos en pequeños rayos de esperanza que iluminan las diferentes estancias por las que pasan. De este modo, historias sobre sectas que sacrifican humanos en función de sus logros en la vida (“Innsbruck”), de amores entre muertos (“Bela y Boris”, “La muerte enamorada”), de balas que se instalan en cuerpos sin matar (“El hombre con una bala en el corazón”) o de traumas causados por el baile (“Yo nunca bailo”), trazan dramas tenebrosos que se suavizan con arreglos pop, melodías animadas y la voz de alguien que parece incapaz de hacer el mal. También tiene tiempo para fantasías con vocación de hit clásico como “Transplutonia”, costumbrismos abiertamente vainiqueros y adictivos (“Un roto, un descosido”) y las ya habituales historias de resignada soledad:“Partidario del desierto” y “El viajero del tiempo” son composiciones 100% Parade, de esas que dan vueltas sobre el mismo tema sin cansar.

Cabe destacar algunos temas que se encuentran, sin lugar a dudas, entre lo mejor de la carrera de Parade, en concreto las tres que abren, como una apisonadora, “Materia Oscura”. “No más rocanrol” comienza con una pieza clásica, y es una declaración de principios, una defensa extraña de lo antiguo desde la más absoluta modernidad, y continúa con “El dolor del espacio”, una aventura de soledad de esas que se le dan tan bien. Pero el momento más emotivo llega con “¿Eres un robot?”, que tiene como protagonista a la hija de Galvañ, una niña muy avispada que se ha dado cuenta de que a su padre lo han sustituido por una máquina, y en menos de tres minutos la realidad y la ficción conviven en una historia tierna y concisa.

Difícil, a estas alturas, encontrar una carrera tan larga que no decaiga, que avance tan segura y certera, sin miedo a mirar atrás, pero con la convicción de que probar nuevas vías es la mejor opción posible. Parade lo ha conseguido, de puntillas, sin alharacas. Y parece que la cosa no acaba aquí.

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El genio creativo de Antonio Galvañ no se para, y por sorpresa, sin apenas avisar, en 2011 asistimos a la publicación de “Materia Oscura” (Jabalina, 2011), el que estaba llamado a ser el álbum oscuro de Parade. Esta intención de hacer algo más siniestro y deprimente se queda en agua de borrajas, por lo menos en lo musical, ya que el murciano entrega algunas de las melodías más brillantes y chisposas de su carrera. Sin embargo, esta negrura sí se advierte en las letras, plagadas de humor negro e historias tristísimas, en las que la muerte, la marginación social y los traumas son protagonistas, amén de la autorreferencia, algo lógico tratándose de su sexto disco. Después del conceptual “La Fortaleza de la Soledad” (Jabalina, 2009), Antonio Galvañ se suelta la melena y vuelve más fuerte que nunca, con uno de sus mejores discos.

“No más rocanrol” hace una defensa del clasicismo y lo viejo, utilizando la contradicción, pues es una canción de guitarras en ocasiones cercanas al hard-rock. El piano, no obstante, sigue siendo la vértebra de la música de Parade, como nos tiene acostumbrados desde hace tiempo, y se agradece porque es sin duda el instrumento al que más juego saca. La melancolía, el regreso al pasado y la tristeza del presente es un tema recurrente en varios temas, especialmente en la dramedy “Innsmouth”, una canción redonda en la que se mezclan sectas, reuniones de antiguos alumnos y el eterno tema de Parade: la incómoda sensación de saberse diferente en sociedad. “Yo nunca bailo” y “El viajero del tiempo” (solo disponible en la edición en vinilo) siguen por esta senda, reviviendo episodios dramáticos de historias que nunca serán reales.

Y el tercer gran tema de “Materia Oscura” no podía ser otro que la muerte. “El muerto despierto” y “La muerte enamorada” tienen títulos que hablan por si solos.

El homenaje en esta ocasión se lo lleva el cantante italiano Gino Paoli, que lleva cuarenta años con una bala en el corazón tras un intento de suicidio, y al que dedica la bonita “El hombre con una bala en el corazón”, uno de los momentos más optimistas del disco.

Fiel a su universo, lo cotidiano (“Un roto, un descosido”, muy Vainica Doble), la soledad (“Partidario del desierto”), el terror (“Bela y Boris (Amor a la inversa)”) y la ciencia ficción (“Transplutonia”, la abstracta “El dolor del espacio”) cruzan transversalmente todo el disco, llenándolo de referencias pop que, en manos de Galvañ, parecen inagotables. La literatura, el cine, los cómics, siguen siendo la mejor fuente de inspiración. Musicalmente, es uno de los trabajos más ricos de Parade, probablemente el trabajo con un sonido más redondo de toda su discografía, con unas melodías impecables, instrumentos reales (ha grabado con banda) y unos arreglos que van del disco al rock’n'roll o a la canción melódica, a lo que hay que añadir unos cuidados juegos vocales muyretro.

Como ya ocurriera con “Flora Rostrobruno” en “Todas las Estrellas” (Spicnic, 2006), “Materia Oscura” tiene también una canción central, una maravilla que sobresale dentro de algo ya buenísimo de por sí. Esta vez se trata de la sorprendente “¿Eres un robot?”, en la que Antonio Galvañ se coloca, en una mezcla apasionante de realidad y ficción, en medio de su propia historia, confesando no solo a su familia, sino también a cualquiera que escuche la canción, que fue sustituido por un robot hace años, por lo que todo le sale perfecto excepto una cosa: las emociones. Con el extraño humor que le caracteriza, se refiere a sí mismo como Señor Parade, jugando con esa confusión de ser un proyecto unipersonal sin nombre de persona.

Definitivamente, Parade ha demostrado que es un ejemplo de consistencia, pues todos sus trabajos son notables y parece imposible que tropiece o decepcione. A estas alturas de la película, una carrera como la del murciano puede considerarse envidiable.

Por la calle de la amargura

Qué gusto disfrutar de la hiperactividad de Antonio Galvañ. El autor murciano nos tenía acostumbrados a esperar, pero en los últimos años, con la publicación de dos discos y un recopilatorio, hemos tenido material deParade con una frecuencia pasmosa.

Esta vez, y ya estaba tardando, le toca el turno de aportar su granito de arena a la colección de canciones de amor de su sello, Jabalina. Editado en vinilo, sigue las mismas directrices que sus predecesores en la colección: tres temas alrededor del amor, incluyendo una versión. En este caso Galvañ pone todas sus energías en la otra cara, el desamor, con canciones que van desde el desasosiego más absoluto al cabreo y la guerra conyugal.

Comienza como una apisonadora con “Por la calle de la amargura”, un corte que podrían haber cantado perfectamente The Ronettes, y que recoge la esencia de las producciones de Phil Spector de manera magistral. Un nuevo traje en su carrera, el del pop soul sesentero, que, como no podía ser de otra manera, no se le resiste a Parade.

“Corazón Sioux” es una bomba guerrera, basada en programaciones salvajes y tribales que serviría como una actualización de aquel “Amor Apache” de Gloria Trevi. Una letra sencilla, repetitiva y eficaz, que en menos de dos minutos deja con ganas de más.

Cierra el single una versión de Violeta Parra, “Maldigo del alto cielo”, uniéndose a Single (que hicieron “Gracias a la vida”) en la reivindicación de la cantautora chilena. Una letra terrible sobre el desamor, que le viene que ni pintada a Antonio Galvañ para sacar toda la artillería melodramática de un piano omnipresente y unos arreglos minimalistas y efectivos.

No se puede aventurar si esta entrega es solo un experimento puntual de Parade o un primer contacto para explorar nuevas vías de expresión, como las percusiones tribales, el soul de los 60 y las voces dobladas y máspop que nunca (de hecho,su voz está sufriendo un Benjamin Button, pues cada día que pasa parece más joven), pero lo que sí podemos afirmar es que, de momento, parece que hay Parade para rato y que, como siga así, nunca llegará el día que decepcione.